Programas Previos

La dos primeras ediciones de Ses12naus acogieron en Ibiza a una veintena de artistas y pensadores de diversas disciplinas y procedencias. Durante 3 semanas, los creadores visitaron la isla para investigar, explorar y producir proyectos. Bajo los nombres de ´Embarking´ (2016) y ´The moving idea´ (2018), las dos experiencias pusieron el foco en testar el modelo y su acogida entre los isleños, la exploración de Ibiza y sus recursos, y el intercambio entre los creadores del grupo. Cada artista produjo un trabajo durante la residencia que se mostró públicamente al final de la misma.

Ana Laura Aláez

Ana Laura Aláez

#The Moving Idea #2018
Bio

Desde los inicios de su práctica artística, hay dos vectores paralelos que siempre han estado presentes de una forma más o menos explícita: uno, el modo de la presencia femenina en el arte, y dos, la puesta en cuestión de los elementos plásticos que tradicionalmente han definido la escultura como un arte vinculado a nociones consideradas básicamente masculinas, como la fuerza, la dureza, la prevalencia de lo físico, un sujeto seguro de sí mismo, etc.

Algunas de sus exposiciones en museos: Dance & Disco (2000), MNCARS, Madrid; Beauty Cabinet Prototype (2003), Palais de Tokyo, Paris; Hell Disco (2004), Helsinki City Art Museum, Helsinki; Goodbye Horses-Kiss the Frog. The Art of Transformation (2005)National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo; Arquitectura de Sonido (2006), Museo Banco de la República de Bogotá; Bridge of Light (2008), Towada Art Center, Towada City, Japón; Pabellón de escultura (2008), Musac, León; Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío (2019-2021) en el CA2M, Madrid y Azkuna Zentroa, Bilbao.
Proyecto

El conflicto es otro. Cáñamo. Medidas variables. 2018.

“Su forma es una especie de máscara ancestral, con orificios y perforaciones: nexos frágiles de relaciones internas y externas. Una red irregular basada en la repetición, en transformar lo horizontal en vertical, en dotar de tridimensionalidad a un plano, en escribir un relato biográfico con otros elementos, en la acción de alzarse independientemente a las circunstancias, etc. Todo ello incide en lo inconcluso de las estructuras y en la imposibilidad de lograr alguna certeza. Los círculos horadados son un elemento que se repite constantemente en mi trabajo. En este caso, esos agujeros devienen en símbolo de un deslizamiento con fricción. El cáñamo, material apenas tratado, crudo, áspero, color de tierra, sometido en las manos, remite a una cultura más atávica”.

Santiago Ydáñez

Santiago Ydáñez

Santiago Ydáñez

#The Moving Idea #2018
Bio

El pintor de origen jienense cuenta con una dilatada trayectoria de más de 25 años. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, desde su priemra exposición en 1993 en una muestra de jóvenes artistas andaluces, sus reconocibles rostros de gran formato le abrieron el mercado nacional y lo han llevado por galerías de medio mundo, exponiendo en China, Italia, México, Francia, Austria, Suiza o Estados Unidos, entre otros.

Su obra se encuentra en las colecciones de la Fundación Botín y el Museo Reina Sofía y ha obtenido reconocimientos como el Premio de Pintura ABC y Premio de Pintura Generación de Caja Madrid, la Beca del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura, la Beca de la Fundación Marcelino Botín y la Beca de la Academia de España en Roma.

Proyecto

Sandra. Óleo sobre lienzo. 400 X 200 cm. 2018.

El imaginario de Ydáñez está cargado de recuerdos de su infancia, de escenas propias del costumbrismo de la vida rural y de elementos de esa naturaleza que habita. Unas referencias cercanas, cotidianas y personales que el artista conecta, a lo largo de los años, con la Historia del Arte y de la Humanidad, a menudo escondiendo mensajes éticos y políticos. Pintor de temática clásica, su trabajo es reconocido por una expresividad que resuelve en sesiones de trabajo rápidas donde capta lo esencial a través de una pincelada amplia, expresiva y enérgica, mientras usa una paleta de colores reducida. Algunas de estas características posee Sandra, una de las piezas que Ydáñez desarrolló durante su prolífica residencia en Ses 12 naus. Buscador compulsivo de belleza en todo aquello que le rodea, Sandra es interpretada por el artista  como un paisaje que, de forma muy deliberada, adopta proporciones monumentales y verticales donde quedan de manifiesto algunos de los cambios de paradigma de la imagen contemporánea: la sobredimensión, la desaparición de los ejes espaciales tradicionales y la pérdida de la hegemonía de la perspectiva horizontal.

Nihat Karatasli

Nihat Karatasli

#The Moving Idea #2018
Bio

Nihat Karatasli (1988-2021) es un artista interdisciplinar que realiza vídeos, animaciones, esculturas, performances e instalaciones que abordan las interconexiones entre el ser humano y la naturaleza con la tecnología. 

Conferenciante, articulista y docente, Karatasli es cofundador de Hüzün Archive, administrado por la Universidad de Koç (Estambul). Ha formado parte de exposiciones colectivas en Estambul, Seúl y Los Ángeles y cuenta con una maestría en bellas artes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. 

Algunos de los festivales de cine en los que ha participado son: 7º Festival de Cine de Mammoth Lakes, California; Soy Meta en Shanghai, 37º festival de Kasseler o Stand Firm, Stand Here en Ohklahomo, Chicago.

Proyecto

A Tree to Weigh, a Tree to Measure. Instalación multimedia, GIF animado en 3D y luces LED. Medidas variables. 2018

Una pieza que fue concebida e instalada originalmente por el artista en un algarrobo, un árbol muy común en todo el Mediterráneo que toma su nombre de la palabra árabe kharrūb. Las vainas de algarrobo se han utilizado con diferentes propósitos a lo largo de la historia: afrodisíaco, herramienta de medición de gemas o fuente de nutrición básica. Precisamente la palabra quilate (unidad de masa y de pureza de las piedras preciosas) proviene de la palabra griega keration que significa algarrobo. El algarrobo, junto a otras especies autóctonas como el olivo, el almendro o la higuera, aparecen de forma recurrente como poderosos símbolos de la mediterraneidad. Karatasli utiliza el árbol como representación de la naturaleza primigenia y, desde ese lugar esencial, incorpora la cultura clásica y la vorágine contemporánea a partir de imágenes y dispositivos cargados de sentido. En A Tree to Weigh, a Tree to Measure, las célebres esculturas de Los esclavos de Miguel Ángel Buonarroti son convertidas en un GIF animado y reproducidas mediante modernas pantallas apoyadas en uno de esos árboles que, además, se muestra atravesado por potentes barras de luz blanca. Esta obra construye una intensa alegoría de la contemporaneidad donde todos nosotros aparecemos como esos nuevos esclavos que mantienen una relación compleja, más dialéctica que simbiótica, con el medio que nos acoge y que nos procura. 

Fátima Moreno

Fátima Moreno

Fátima Moreno

#The Moving Idea #2018
Bio

Fati Morri es el nombre artístico de Fátima Moreno, una artista gráfica e ilustradora nacida en Granada y unida estrechamente a las ciudades de Barcelona y Lisboa.  

Hija de madre pintora, su trayectoria artística arrancó con los estudios de grabado en la Escuela de Arte de Granada y continuó en Galicia con un master sobre obra gráfica contemporánea que le llevó a trabajar en publicidad durante varios años hasta que lo abandonó para dedicarse de lleno a la ilustración. 

Como ilustradora ha trabajado para clientes como la editorial Apha Decay, el diario El Mundo, el BAM festival o El Segell del Primavera Sound, entre otros.

Proyecto

De su estancia en la isla surgieron dos pinturas. Las experiencias vividas, así como los personajes que observó en Ibiza sirvieron de punto de partida para una investigación sobre los contrastes y la paleta demográfica de la zona. Las obras conformaron un personal retrato de la artista acerca de la diversidad social que habita en la isla: payeses, ravers, jetset, turistas, hippies, etc.  

La Juan Gallery

La Juan Gallery

La Juan Gallery

#The Moving Idea #2018
Bio

La Juan Gallery es el templo del arte en vivo, un lugar fundado por Juan Gómez Alemán y Alex Delacroix en 2015 bajo la firme creencia de que la performance es una disciplina transversal y que todo artista necesita su cuerpo para crear. 

Juan Gómez Alemán es director creativo de La Juan Gallery, además de gestor cultural, comisario de exposiciones, dramaturgo y director de escena, todo ello impulsado por su curiosidad ante la vida y una incansable formación autodidacta.

Por su parte, Álex Delacroix es la transvanguardia personalizada. Artista audiovisual y cineasta, actriz y comedianta, codirectora de La Juan Gallery, activista del gender fluid, modelo ocasional e icono generacional. 

Proyecto

Historia del arte contemporáneo es el nombre del proyecto conjunto elaborado por Juan Gómez Alemán y Alex Delacroix. Para él contaron con cinco autores y bailarines locales, que dieron rienda suelta a la performance para invitar a la reflexión sobre el subjetivo mercado del arte. Para finalizar, una actuación colaborativa con artistas locales a modo de hermanamiento creativo puso el broche de oro.

Sofia Eliza Bouratsis

Sofia Eliza Bouratsis

Sofia Eliza Bouratsis

#The Moving Idea #2018
Bio

Sofia Eliza Bouratsis es una apasionada del mundo del arte contemporáneo, en el que se sumerge a través de la investigación, la escritura y el comisariado. Entre sus temas de investigación más recurrentes se encuentra la dicotomía entre el cuerpo humano y no humano, pero también profundiza en las imágenes contemporáneas y las nuevas tecnologías, así como en el apasionante discurso que reflexiona sobre el espacio público, el urbano y el ecológico, especialmente en sus aspectos arquitéctonicos.

Proyecto

El proyecto de Sofia Eliza Bouratsis es una creación inspirada en conversaciones mantenidas por la autora con el resto de artistas participantes en la residencia. De esas charlas en la isla, la artista grieda ha producido una serie de postales con preguntas, en una perfecta fusión de texto y exposición de ideas en movimiento.

Nora Silva

Nora Silva

Nora Silva

#Embarking #2016
Bio

La artista multidisciplinar Nora Silva se define a sí misma como alguien que hace cosas. Entrando a fondo, podemos decir que es una artista, investigadora independiente y escritora hispano-chilena afincada en Londres, que tras licenciarse en Bellas Artes viajó por Latinoamérica como cocinera.

Sus propuestas artísticas inciden en la conciencia social e invitan a la reflexión sobre el comportamiento del ser humano ante temas de actualidad como la pérdida de privacidad, el cambio climático, las políticas migratorias, la sociedad de consumo o la turistificación de las ciudades. 

La performance es el formato habitual de su obra -basada en acciones- con el apoyo de instalaciones y objetos.

Proyecto

Splendour & Mass es una crítica social al modelo de turismo imperante a nivel global. La artista pone en el punto de mira el desbordamiento de la demanda turística propia del primer mundo a través de la creación de una agencia de 'turistificación' que incide en las consecuencias de estas prácticas habituales en numerosos países. 

Nora Silva construye así una obra reflexiva que aborda la política del exceso con el humor y la ironía como herramientas principales. 

Isha Bøhling

Isha Bøhling

Isha Bøhling

#Embarking #2016
Bio

La artista británico-danesa Isha Bøhling cultiva la pintura, la escultura, el sonido y el comisariado. Compone con pintura, dibuja con su voz, esculpe instrumentos y hace performance a través de instalaciones de objetos y luces.  Ha expuesto su obra en Europa, Asia, Estados Unidos y Sudamérica.

Valorada por el público y la crítica, ha recibido numerosos reconocimientos por su ecléctica y singular propuesta creativa. Recibió el premio The Freelands Foundation en 2020. Fue preseleccionada para el East London Painting Prize en 2014 y finalista en el John Moores 23 Painting Prize en 2003, en el Artsway Prize 2005, en el Red Mansions Prize 2002 y preseleccionada para el Observer Student Prize 2002.

Proyecto

La propuesta de Isha Bøhling, 'In the orange tree', tiene como epicentro la investigación y el conocimiento profundo de las raíces musicales de la isla. Indaga en la tradición histórica y los objetos musicales de la zona con la colaboración de los músicos isleños, a quienes graba con la finalidad de crear una nueva instalación sonora.  'In the orange tree' es una pieza de música propia, presentada en un naranjo y con inspiración en la música tradicional ibicenca. 

Damien Poulain

Damien Poulain

Damien Poulain

#Embarking #2016
Bio

Los espacios públicos son el lienzo favorito del diseñador gráfico e ilustrador Damien Poulain, que trabaja gran variedad de formatos que incluyen textiles, pintura, escultura y volúmenes arquitectónicos efímeros. Además, ha fundado la editorial oodee, centrada en la fotografía contemporánea.

Su obra bebe de influencias diversas, desde la simbología sintoísta, primitiva y heráldica, así como de la cultura material y digital contemporánea, con las que propone un lenguaje visual universal. 

Sus proyectos invitan al compromiso intercultural y construyen comunidades, difundiendo un mensaje universal de amor, belleza y posibilidad. Ha expuesto en Londres, Tokio y Breda, entre otros lugares.

Proyecto

Loca People (What the F**k). 6 banderolas de tela cosida.. 93 x 59 cm. c/u. 2016.

Loca People (What the Fuck!) es una canción techno del DJ español Sak Noël. Esta canción es un canto a la celebración, al hedonismo, a la libertad sin responsabilidad. En cierto sentido, algunos de los elementos que han caracterizado cierta actividad de la isla durante décadas. La intención del artista es crear un diálogo entre dos culturas y tradiciones opuestas en un espacio limitado y reducido como el de Ibiza. Un mundo en peligro de extinción que se refiere a la manufactura textil, y otro, como la música electrónica, que dicta la poderosa industria del ocio. Poulain utiliza los banners para jugar con su principal relevancia, con su principal utilidad, la fuerza del signo y del símbolo, para crear los estandartes del auténtico reino de la música electrónica: Ibiza.

Ian Monroe

Ian Monroe

Ian Monroe

#Embarking #2016
Bio

El artista y escritor neoyorquino Ian Monroe conceptualiza a la perfección la promesa y la decepción de la modernidad. Captó la atención del público en el año 2003 con una exposición a gran escala en la Galería Saatchi y desde entonces su producción artística y notoriedad no han dejado de crecer. 

Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas, así como de relevantes museos internacionales como el Aarhus Kunstmuseum (Dinamarca), el Museo de Arte de Saint Louis (EE.UU.), el Hamburger Banhof (Alemania) y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

Como escritor ha publicado artículos en The Guardian, Art Review y la publicación especializada "Collage, assembling contemporary art".

Proyecto

Con su particular lenguaje y el protagonismo de materiales obtenidos a partir de upcycling, Ian Monroe crea un pabellón multiusos cuya finalidad es fomentar el debate y la interacción entre la comunidad local y los artistas visitantes. 

Su proyecto 'Pavilion for the restless industrialist' es un escenario, un lugar de reunión, un observatorio astronómico... En definitiva, un espacio adaptable, al servicio de las performances de otros creadores.

Jesús de Miguel

Jesús de Miguel

Jesús de Miguel

#Embarking #2016
Bio

El artista plástico y multimedia Jesús de Miguel es un buen conocedor de Ibiza, pues ha establecido su base en la isla. Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, ha estudiado antropología del arte y los procesos creativos, así como animación y diseño en 3D. 

Está interesado especialmente en la pintura, donde desarrolla sus diferentes facetas, que contemplan desde la creación pictórica más pura hasta distintas expresiones artísticas con una importante base tecnológica. 

La poesía visual de su obra nada en un océano de abstracciones, donde lo definido se desvanece, las formas se solapan, se diluyen, hasta renacer con una vida propia que traspasa los límites de lo esperado.

Proyecto

El nacimiento del emoticono [The Birth of the Emoticon]. Pictorial and sculptural installation. 2022

Pursuing the line of research he chose for his residency in 2016, Jesús de Miguel traces an unusual course of the history of the symbol, starting with cave paintings and ending with today’s emoticons. His neo-pictograms are a reaction to today’s collapse and the reduction of emotional expression or complex concepts to simple icons. Rather than reproducing symbols, the artist creates his own and offers them to viewers so that they can give them meaning. He is an artist who has his own semantics who hands the public the task of actively imagining a world.

Juan Gómez Alemán

Juan Gómez Alemán

Juan Gómez Alemán

#Embarking #2016
Bio

Juan Gómez Alemán es sinónimo de innovación y creatividad sin limitaciones. Pionero en el concepto de 'galería de arte vivo' y creador del movimiento 'Abajonismo', constituye un perfil multidisciplinar que se ha ganado a pulso un lugar privilegiado tanto en el panorama dramático como en el plástico. 

Es el fundador y director creativo de La Juan Gallery, además de gestor cultural, comisario de exposiciones, dramaturgo y director de escena, todo ello impulsado por su curiosidad ante la vida y una incansable formación autodidacta. 

Ha presentado sus trabajos ante el público de España, Italia, Argentina, Uruguay y Estados Unidos.

Proyecto

Tradición oral. Performance realizada el día de la preview de la presente exposición. Audio que documenta dicha acción. 2022.

La tradición oral transmite conocimientos y experiencias a aquellas personas que la escuchan. Cuando Juan Gómez Alemán llegó a la residencia de Ses12Naus en 2016 entrevistó a algunos y algunas ibicencos e ibicencas para su proyecto, preguntándoles sobre el origen de la isla y sobre qué sucesos la habían convertido en lo que ahora es. Seis años después de esa experiencia es el propio Gómez Alemán quien trata de transmitir oralmente lo que fue aquella convivencia, un acontecimiento importante dentro del camino creativo del artista que, ahora, quiere compartir con nosotros mediante esta performance. 

Violeta Janeiro

Violeta Janeiro

Violeta Janeiro

#Embarking #2016
Bio

El nombre de Violeta Janeiro es referente en arte colaborativo. Comisaria de arte independiente e investigadora con amplia trayectoria en arte contemporáneo, ha centrado su trabajo en las diferentes prácticas de arte colaborativo, las políticas del conocimiento y las alternativas en la producción, recepción y canalización del arte.

Ha trabajado en la Bienal de Venecia, el Museo Guggenheim de Nueva York, el consulado español en Shanghai y Summa Art Fair. Ha dirigido la Galería Helga de Alvear en Madrid e impulsado diferentes proyectos de investigación.

Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y máster en Bellas Artes por la Kingston University de Londres.

Proyecto

La aportación de Violeta Janeiro Algageme en la residencia Ses Dotze Naus tiene forma de investigación. 'El arte colaborativo en los 90' es el título de su trabajo de documentación a fondo y un tema de sobra conocido por la artista, que ya lo abordó exhaustivamente en la tesis de su doctorado. 

Zeltia Montes

Zeltia Montes

Zeltia Montes

#Embarking #2016
Bio

El nombre de Zeltia Montes está estrechamente ligado al de la música y el cine. Compositora gallega especializada en bandas sonoras de películas, empezó a componer desde temprana edad, a los 9 años. 

Estudió piano y solfeo en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y es especialista en música moderna. Además, se ha formado en Berklee College of Music de Boston y compuso su primera banda sonora en 2008 para la película Pradolongo, de Ignacio Vilar. 

Entre sus reconocimientos se encuentran el Premio Jerry Goldsmith, el Premio Mestre Mateo, la Medalla de Oro a la excelencia en el Park City Fil Music Festival, y el Goya a mejor música original por la película El buen patrón.

Proyecto

Pou d’es Lleó. Composición musical. 6’02’’. 2016.

“Y vine a jugar. Con mis límites. Con los límites de la isla. En busca de la libertad. Para liberar a la música del sujeto. Para liberarme de mi. Para capturar a pesar de mi. Más que mis propias ideas. El ritmo del aire. La saturación del blanco. Los armónicos de la luz. Para devolver su espacio al silencio. Aislado. Ahogado entre el ruido. Para recoger el silencio de la naturaleza. Para recoger las notas del silencio. Para retornarlas al mar. Mediterráneo”.

Mauricio Freyre

Mauricio Freyre

Mauricio Freyre

#Embarking #2016
Bio

Mauricio Freyre es investigador, artista audiovisual y cineasta peruano con formación en arquitectura. Fruto de su interés por el encuentro de las dimensiones fílmica y arquitectónica, sus proyectos buscan las aristas coincidentes entre el celuloide y la arquitectura, haciendo hincapié en los márgenes, puntos ciegos y zonas oscuras.

Es Premio Nacional de Cine Experimental en Perú y obtuvo la Beca de Producción Matadero en Madrid. Sus películas e instalaciones han sido parte de programas y exhibiciones en el Festival Internacional de Cine Valdivia, Les Rencontres Internationales Paris/Berlin, l’Alternativa, TENT Rotterdam, Nederlands Film Festival y Fundación Telefónica Lima, entre otros.

Proyecto

'Untitled' es el proyecto de Mauricio Freyre, una obra audiovisual que revisa la historia del ISCID (congreso de diseño industrial celebrado en Ibiza en 1971, durante la dictadura franquista).  Se trata de una cinta que invita a reflexionar sobre dinámicas alternativas de producción que no distinguen entre trabajo y ocio.

Marc Tur & Eduard Reguant

Marc Tur & Eduard Reguant

Marc Tur & Eduard Reguant

#The Moving Idea #2018
Bio

El ibicenco Marc Tur y el catalán Eduard Reguant son dos arquitectos residentes en Ibiza. Para Marc Tur, "un buen proyecto es aquel que permite corregir o influir positivamente en la forma de relacionarse de las personas", frase con la que deja entrever el sentido que otorga a la arquitectura en general y a su trabajo diario en particular. Ganador del premio de arquitectura de Ibiza y Formentera 2008-2011, es junto a Eduard Reguant, el responsable del diseño de los espacios en Ibiza de Ses Dozte Naus. 

Proyecto

Marc y Eduard son los arquitectos autores del diseño del espacio de Ses Dotze Naus, para el que han utilizado los materiales agrícolas y naturales de la propia finca donde se llevó a cabo la estancia.

Su propuesta fue la de interactuar con los artistas para dar forma al camino en un proceso creativo durante las tres semanas de trabajo y documentar el proceso. El objetivo era crear una instalación temporal útil, con materiales de la zona, que se pudiera desmontar cuando estuviese terminado. 

Karen Paulina Biswell

Karen Paulina Biswell

Karen Paulina Biswell

#Embarking #2016
Bio

Karen Paulina Biswell es una fotógrafa colombiana que huye de las etiquetas. Su variada obra aborda con sensibilidad temas como la vulnerabilidad, la moralidad, la fuerza, la sexualidad y el destino humano. 

"Las preguntas quiénes somos, de dónde venimos y adónde vamos son relevantes para mi vida y las trato en mi trabajo aunque no tengo todas las respuestas", explica la artista. 

Ha participado en exposiciones y festivales internacionales en Lituania, Suecia, Japón, Camboya y Colombia. Ha estado nominada al World Press Photo-Joop Swart Masterclass en 2014 y a La Lettre de Photographie-Bourse du talent: portrait en 2012. Además, fue segunda en el IX Premio Colombo-suizo de fotografía. 

Proyecto

Ca eivissenc. Fotografía. C-print hand made. 110 x 110 cm. 2016.

La artista suele centrarse en los temas de moralidad, vulnerabilidad y destino, mientras permanece comprometida con la captura de aspectos ocultos de la vida actual, elementos invisibles o desconocidos que percibe a través de un profundo interés por los estados extremos, por la experiencia humana y por la profundidad de la mente. Las series fotográficas que Biswell realizó en la residencia se nutren de esa sensibilidad, estimulada por el nuevo contexto de la isla, para analizar el carácter ancestral y místico de Ibiza en base a una serie de imágenes que ella trabaja como símbolos mágicos. 

Ana Martínez Fernández

Ana Martínez Fernández

Ana Martínez Fernández

#The Moving Idea #2018
Bio

Ana Martínez Fernández trabaja principalmente en el espectro de lo escultórico en un terreno muy informado por el lenguaje escrito y hablado.  Le interesa la complejidad en las narrativas sociales, sobre todo en las implicaciones del consumo de productos o de imágenes, a través de lo paradójico o contradictorio en los mecanismos de deseo y de la ausencia o presencia de inocencia en esos mecanismos.

Estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco y Teoría del Arte Contemporáneo en el departamento de Culturas Visuales de Goldsmiths Colegio Universitario de Londres. Ha sido profesora de Crítica y Contextualidad Estudios en la facultad de arquitectura de la Universidad Metropolitana de Londres y ha expuesto en Madrid, Osaka, Madrid y Francia. 

Proyecto

Durante la residencia en la isla, la escultora Ana Martínez Fernández realizó tres piezas de adobe y paja como sinónimo de tres invitados en una fiesta que ya terminó. La obra es el fruto de una investigación de cuestiones geopolíticas cuya esperanza era la de proporcionar espacio para documentar y explorar las potencialidades creativas dentro del lenguaje y los materiales, tal como explicó la propia autora.

Sabelo Mlangeni

Sabelo Mlangeni

Sabelo Mlangeni

#The Moving Idea #2018
Bio

Sabelo Mlangeni es un fotógrafo sudafricano que nació en 1980 en Driefontein, cerca de Wakkerstroom, en Mpumalanga y que en 2001 se mudó a Johannesburgo, donde se unió al mercado de fotos Taller, egresando en 2004.

Su sensibilidad y capacidad para conmover a través de las imágenes ha facilitado que poco a poco se haya hecho con un hueco en el mundo de la fotografía. Ha expuesto individualmente en diversos puntos de Sudáfrica, en Estados Unidos, Nueva Zelanda, Reino Unido y Angola. 

Las exposiciones colectivas le han llevado a Alemania, Nigeria, Mali, Francia, Portugal, Holanda o Mexico, bajo títulos y temas tan diversos como el apartheid, la invisibilidad de las mujeres o el sexo.

Proyecto

Durante su estancia en Ibiza, el fotógrafo sudafricano Sabelo Mlangeni profundizó en el concepto e idea de familia. Un tema universal de profundo calado social que ofrece multitud de posibilidades de expresión a través de la fotografía gracias a la riqueza de matices y construcciones socioculturales del tema en cuestión elegido por el residente.

Martine Feipel & Jean Bechameil

Martine Feipel & Jean Bechameil

Martine Feipel & Jean Bechameil

#The Moving Idea #2018 #Embarking #2016
Bio

Martine Feipel & Jean Bechameil construyen y deconstruyen el espacio. Su vasta formación y experiencia les lleva a dominar a la perfección los volúmenes para recrear un universo totalmente ilógico a primera vista. Martine Feipel estudió artes visuales en la Universidad Marc Bloch de Estrasburgo, en la Universidad de las Artes de Berlín y en el Central St. Martins College of Art & Design de Londres, donde obtuvo su Maestría en Bellas Artes. Jean Bechameil ha trabajado desde 1990 como escultor autónomo. Ha producido los decorados de muchas obras de teatro y películas de Lars von Trier, como Antichrist, Manderlay o Dogville.

El dúo -con base en Luxemburgo- colabora artísticamente desde 2008.

Proyecto

Hotel Utopía. Vídeo que recoge una acción participativa. 8’ 48’’ . 2018.

Hotel Utopía es un proyecto que parte de la estructura en ruinas de un edificio que iba a ser un hotel en Ibiza y que fue concebido por el reconocido arquitecto Josep Lluis Sert. El proyecto de construcción se inició en 1969 y se detuvo en los años 70, siendo abandonado por completo tras la muerte de Sert en 1983. Hasta la fecha el destino de la ruina sigue siendo incierto. El video recoge la intervención efímera y participativa que se llevó a cabo en esa estructura, rindiendo homenaje a la arquitectura Sert y, de forma más general, a las ideas, las promesas utópicas y los sueños de una modernidad que se convierte en una metáfora de la insatisfacción y de las contradicciones no resueltas que encierra. El objetivo no es dar una visión negativa del edificio, sino hacer que afloren partes de la estructura a través del acto de pintar, dándole una sensación abstracta y atemporal, como si la construcción estuviera suspendida entre su pasado y su futuro.

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