Preludio

Un epílogo expositivo que actúa como prólogo de todo aquello que está por venir

La propuesta que ahora presentamos en el espacio de La carpintería, titulada Preludio, toma la forma de un epílogo expositivo que actúa como prólogo de todo aquello que está por venir. Una mirada atrás para recoger algunos de los principales proyectos que se desarrollaron durante las dos primeras ediciones y que, como aquello que todavía sucede, servirá de base a las futuras investigaciones que alimentarán esta forma de construcción creativa compartida, heterogénea y acumulativa que mezcla la cultura propia con la tradición, la innovación y la experimentación.

Trabajos específicos como Loca People (What The F**k) de Damien Poulain (Francia, 1975) o El conflicto es otro de Ana Laura Aláez (Bilbao, 1964), ambos realizados en colaboración con artesanos y artesanas locales, se encuentran en esta muestra con hallazgos contextualizados en la arquitectura insular de vanguardia como Hotel Utopía de Martine Feipel (Luxemburgo, 1975) y Jean Bechameil (París, 1964), también con la compulsiva búsqueda pictórica sobre la fauna, la tradición y la cultura propias de la isla de Santiago Ydáñez (Jaén, 1969), o con la inspiración en el paisaje y en la naturaleza de la composición musical Pou des Lleó de Zeltia Montes (Madrid, 1979).

Las series fotográficas de Karen Paulina Biswell (Aruba, 1983) analizan el carácter ancestral, místico y mágico de Ibiza, mientras que Nihat Karatasli (Izmir, Turquía, 1988) hace extensiva su investigación al ámbito mediterráneo, natural y humanista. Jesús de Miguel (Palencia, 1975) recorre el singular itinerario histórico del símbolo, un camino que le lleva desde las pinturas rupestres hasta los actuales emoticonos.

Por último, una performance de Juan Gómez Alemán (Madrid, 1981) mantendrá viva la memoria de todos aquellos artistas que han pasado por estas dos primeras ediciones de Ses12Naus y de los que la presente exposición apenas recoge una ajustada selección que viene a poner en valor, precisamente, la necesidad de estos programas de residencia, la importancia de hacer, la trascendencia de la presencia, de la movilidad real y del contacto físico en el seno de unos tiempos que están situando en posiciones precarias a todos estos conceptos que, sin duda, son esenciales para la condición humana.

Comisariado: Fernando Gómez de la Cuesta y Ses12Naus

VISITAS:
Martes a viernes de 19 - 22 h y con cita previa en info@ses12naus.org
La Carpintería. Rio Arno, 58 (Can Bufí)
Hasta el 3 de septiembre

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Ana Laura Aláez

Bio

Desde los inicios de su práctica artística, hay dos vectores paralelos que siempre han estado presentes de una forma más o menos explícita: uno, el modo de la presencia femenina en el arte, y dos, la puesta en cuestión de los elementos plásticos que tradicionalmente han definido la escultura como un arte vinculado a nociones consideradas básicamente masculinas, como la fuerza, la dureza, la prevalencia de lo físico, un sujeto seguro de sí mismo, etc.

Algunas de sus exposiciones en museos: Dance & Disco (2000), MNCARS, Madrid; Beauty Cabinet Prototype (2003), Palais de Tokyo, Paris; Hell Disco (2004), Helsinki City Art Museum, Helsinki; Goodbye Horses-Kiss the Frog. The Art of Transformation (2005)National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo; Arquitectura de Sonido (2006), Museo Banco de la República de Bogotá; Bridge of Light (2008), Towada Art Center, Towada City, Japón; Pabellón de escultura (2008), Musac, León; Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío (2019-2021) en el CA2M, Madrid y Azkuna Zentroa, Bilbao.
Proyecto
Proyecto

El conflicto es otro. Cáñamo. Medidas variables. 2018.

“Su forma es una especie de máscara ancestral, con orificios y perforaciones: nexos frágiles de relaciones internas y externas. Una red irregular basada en la repetición, en transformar lo horizontal en vertical, en dotar de tridimensionalidad a un plano, en escribir un relato biográfico con otros elementos, en la acción de alzarse independientemente a las circunstancias, etc. Todo ello incide en lo inconcluso de las estructuras y en la imposibilidad de lograr alguna certeza. Los círculos horadados son un elemento que se repite constantemente en mi trabajo. En este caso, esos agujeros devienen en símbolo de un deslizamiento con fricción. El cáñamo, material apenas tratado, crudo, áspero, color de tierra, sometido en las manos, remite a una cultura más atávica”.

Santiago Ydáñez

Bio
El pintor de origen jienense cuenta con una dilatada trayectoria de más de 25 años. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, desde su priemra exposición en 1993 en una muestra de jóvenes artistas andaluces, sus reconocibles rostros de gran formato le abrieron el mercado nacional y lo han llevado por galerías de medio mundo, exponiendo en China, Italia, México, Francia, Austria, Suiza o Estados Unidos, entre otros. Su obra se encuentra en las colecciones de la Fundación Botín y el Museo Reina Sofía y ha obtenido reconocimientos como el Premio de Pintura ABC y Premio de Pintura Generación de Caja Madrid, la Beca del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura, la Beca de la Fundación Marcelino Botín y la Beca de la Academia de España en Roma.
Proyecto
Proyecto

Sandra. Óleo sobre lienzo. 400 X 200 cm. 2018.

El imaginario de Ydáñez está cargado de recuerdos de su infancia, de escenas propias del costumbrismo de la vida rural y de elementos de esa naturaleza que habita. Unas referencias cercanas, cotidianas y personales que el artista conecta, a lo largo de los años, con la Historia del Arte y de la Humanidad, a menudo escondiendo mensajes éticos y políticos. Pintor de temática clásica, su trabajo es reconocido por una expresividad que resuelve en sesiones de trabajo rápidas donde capta lo esencial a través de una pincelada amplia, expresiva y enérgica, mientras usa una paleta de colores reducida. Algunas de estas características posee Sandra, una de las piezas que Ydáñez desarrolló durante su prolífica residencia en Ses 12 naus. Buscador compulsivo de belleza en todo aquello que le rodea, Sandra es interpretada por el artista  como un paisaje que, de forma muy deliberada, adopta proporciones monumentales y verticales donde quedan de manifiesto algunos de los cambios de paradigma de la imagen contemporánea: la sobredimensión, la desaparición de los ejes espaciales tradicionales y la pérdida de la hegemonía de la perspectiva horizontal.

Nihat Karatasli

Bio
Nihat Karatasli (1988-2021) es un artista interdisciplinar que realiza vídeos, animaciones, esculturas, performances e instalaciones que abordan las interconexiones entre el ser humano y la naturaleza con la tecnología.  Conferenciante, articulista y docente, Karatasli es cofundador de Hüzün Archive, administrado por la Universidad de Koç (Estambul). Ha formado parte de exposiciones colectivas en Estambul, Seúl y Los Ángeles y cuenta con una maestría en bellas artes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago.  Algunos de los festivales de cine en los que ha participado son: 7º Festival de Cine de Mammoth Lakes, California; Soy Meta en Shanghai, 37º festival de Kasseler o Stand Firm, Stand Here en Ohklahomo, Chicago.
Proyecto
Proyecto

A Tree to Weigh, a Tree to Measure. Instalación multimedia, GIF animado en 3D y luces LED. Medidas variables. 2018

Una pieza que fue concebida e instalada originalmente por el artista en un algarrobo, un árbol muy común en todo el Mediterráneo que toma su nombre de la palabra árabe kharrūb. Las vainas de algarrobo se han utilizado con diferentes propósitos a lo largo de la historia: afrodisíaco, herramienta de medición de gemas o fuente de nutrición básica. Precisamente la palabra quilate (unidad de masa y de pureza de las piedras preciosas) proviene de la palabra griega keration que significa algarrobo. El algarrobo, junto a otras especies autóctonas como el olivo, el almendro o la higuera, aparecen de forma recurrente como poderosos símbolos de la mediterraneidad. Karatasli utiliza el árbol como representación de la naturaleza primigenia y, desde ese lugar esencial, incorpora la cultura clásica y la vorágine contemporánea a partir de imágenes y dispositivos cargados de sentido. En A Tree to Weigh, a Tree to Measure, las célebres esculturas de Los esclavos de Miguel Ángel Buonarroti son convertidas en un GIF animado y reproducidas mediante modernas pantallas apoyadas en uno de esos árboles que, además, se muestra atravesado por potentes barras de luz blanca. Esta obra construye una intensa alegoría de la contemporaneidad donde todos nosotros aparecemos como esos nuevos esclavos que mantienen una relación compleja, más dialéctica que simbiótica, con el medio que nos acoge y que nos procura. 

Damien Poulain

Bio
Los espacios públicos son el lienzo favorito del diseñador gráfico e ilustrador Damien Poulain, que trabaja gran variedad de formatos que incluyen textiles, pintura, escultura y volúmenes arquitectónicos efímeros. Además, ha fundado la editorial oodee, centrada en la fotografía contemporánea. Su obra bebe de influencias diversas, desde la simbología sintoísta, primitiva y heráldica, así como de la cultura material y digital contemporánea, con las que propone un lenguaje visual universal.  Sus proyectos invitan al compromiso intercultural y construyen comunidades, difundiendo un mensaje universal de amor, belleza y posibilidad. Ha expuesto en Londres, Tokio y Breda, entre otros lugares.
Proyecto
Proyecto

Loca People (What the F**k). 6 banderolas de tela cosida.. 93 x 59 cm. c/u. 2016.

Loca People (What the Fuck!) es una canción techno del DJ español Sak Noël. Esta canción es un canto a la celebración, al hedonismo, a la libertad sin responsabilidad. En cierto sentido, algunos de los elementos que han caracterizado cierta actividad de la isla durante décadas. La intención del artista es crear un diálogo entre dos culturas y tradiciones opuestas en un espacio limitado y reducido como el de Ibiza. Un mundo en peligro de extinción que se refiere a la manufactura textil, y otro, como la música electrónica, que dicta la poderosa industria del ocio. Poulain utiliza los banners para jugar con su principal relevancia, con su principal utilidad, la fuerza del signo y del símbolo, para crear los estandartes del auténtico reino de la música electrónica: Ibiza.

Jesús de Miguel

Bio
El artista plástico y multimedia Jesús de Miguel es un buen conocedor de Ibiza, pues ha establecido su base en la isla. Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, ha estudiado antropología del arte y los procesos creativos, así como animación y diseño en 3D.  Está interesado especialmente en la pintura, donde desarrolla sus diferentes facetas, que contemplan desde la creación pictórica más pura hasta distintas expresiones artísticas con una importante base tecnológica.  La poesía visual de su obra nada en un océano de abstracciones, donde lo definido se desvanece, las formas se solapan, se diluyen, hasta renacer con una vida propia que traspasa los límites de lo esperado.
Proyecto
Proyecto

El nacimiento del emoticono [The Birth of the Emoticon]. Pictorial and sculptural installation. 2022

Pursuing the line of research he chose for his residency in 2016, Jesús de Miguel traces an unusual course of the history of the symbol, starting with cave paintings and ending with today’s emoticons. His neo-pictograms are a reaction to today’s collapse and the reduction of emotional expression or complex concepts to simple icons. Rather than reproducing symbols, the artist creates his own and offers them to viewers so that they can give them meaning. He is an artist who has his own semantics who hands the public the task of actively imagining a world.

Juan Gómez Alemán

Bio
Juan Gómez Alemán es sinónimo de innovación y creatividad sin limitaciones. Pionero en el concepto de 'galería de arte vivo' y creador del movimiento 'Abajonismo', constituye un perfil multidisciplinar que se ha ganado a pulso un lugar privilegiado tanto en el panorama dramático como en el plástico.  Es el fundador y director creativo de La Juan Gallery, además de gestor cultural, comisario de exposiciones, dramaturgo y director de escena, todo ello impulsado por su curiosidad ante la vida y una incansable formación autodidacta.  Ha presentado sus trabajos ante el público de España, Italia, Argentina, Uruguay y Estados Unidos.
Proyecto
Proyecto

Tradición oral. Performance realizada el día de la preview de la presente exposición. Audio que documenta dicha acción. 2022.

La tradición oral transmite conocimientos y experiencias a aquellas personas que la escuchan. Cuando Juan Gómez Alemán llegó a la residencia de Ses12Naus en 2016 entrevistó a algunos y algunas ibicencos e ibicencas para su proyecto, preguntándoles sobre el origen de la isla y sobre qué sucesos la habían convertido en lo que ahora es. Seis años después de esa experiencia es el propio Gómez Alemán quien trata de transmitir oralmente lo que fue aquella convivencia, un acontecimiento importante dentro del camino creativo del artista que, ahora, quiere compartir con nosotros mediante esta performance. 

Zeltia Montes

Bio
El nombre de Zeltia Montes está estrechamente ligado al de la música y el cine. Compositora gallega especializada en bandas sonoras de películas, empezó a componer desde temprana edad, a los 9 años.  Estudió piano y solfeo en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y es especialista en música moderna. Además, se ha formado en Berklee College of Music de Boston y compuso su primera banda sonora en 2008 para la película Pradolongo, de Ignacio Vilar.  Entre sus reconocimientos se encuentran el Premio Jerry Goldsmith, el Premio Mestre Mateo, la Medalla de Oro a la excelencia en el Park City Fil Music Festival, y el Goya a mejor música original por la película El buen patrón.
Proyecto
Proyecto

Pou d’es Lleó. Composición musical. 6’02’’. 2016.

“Y vine a jugar. Con mis límites. Con los límites de la isla. En busca de la libertad. Para liberar a la música del sujeto. Para liberarme de mi. Para capturar a pesar de mi. Más que mis propias ideas. El ritmo del aire. La saturación del blanco. Los armónicos de la luz. Para devolver su espacio al silencio. Aislado. Ahogado entre el ruido. Para recoger el silencio de la naturaleza. Para recoger las notas del silencio. Para retornarlas al mar. Mediterráneo”.

Karen Paulina Biswell

Bio
Karen Paulina Biswell es una fotógrafa colombiana que huye de las etiquetas. Su variada obra aborda con sensibilidad temas como la vulnerabilidad, la moralidad, la fuerza, la sexualidad y el destino humano.  "Las preguntas quiénes somos, de dónde venimos y adónde vamos son relevantes para mi vida y las trato en mi trabajo aunque no tengo todas las respuestas", explica la artista.  Ha participado en exposiciones y festivales internacionales en Lituania, Suecia, Japón, Camboya y Colombia. Ha estado nominada al World Press Photo-Joop Swart Masterclass en 2014 y a La Lettre de Photographie-Bourse du talent: portrait en 2012. Además, fue segunda en el IX Premio Colombo-suizo de fotografía. 
Proyecto
Proyecto

Ca eivissenc. Fotografía. C-print hand made. 110 x 110 cm. 2016.

La artista suele centrarse en los temas de moralidad, vulnerabilidad y destino, mientras permanece comprometida con la captura de aspectos ocultos de la vida actual, elementos invisibles o desconocidos que percibe a través de un profundo interés por los estados extremos, por la experiencia humana y por la profundidad de la mente. Las series fotográficas que Biswell realizó en la residencia se nutren de esa sensibilidad, estimulada por el nuevo contexto de la isla, para analizar el carácter ancestral y místico de Ibiza en base a una serie de imágenes que ella trabaja como símbolos mágicos. 

Martine Feipel & Jean Bechameil

Bio
Martine Feipel & Jean Bechameil construyen y deconstruyen el espacio. Su vasta formación y experiencia les lleva a dominar a la perfección los volúmenes para recrear un universo totalmente ilógico a primera vista. Martine Feipel estudió artes visuales en la Universidad Marc Bloch de Estrasburgo, en la Universidad de las Artes de Berlín y en el Central St. Martins College of Art & Design de Londres, donde obtuvo su Maestría en Bellas Artes. Jean Bechameil ha trabajado desde 1990 como escultor autónomo. Ha producido los decorados de muchas obras de teatro y películas de Lars von Trier, como Antichrist, Manderlay o Dogville. El dúo -con base en Luxemburgo- colabora artísticamente desde 2008.
Proyecto
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Hotel Utopía. Vídeo que recoge una acción participativa. 8’ 48’’ . 2018.

Hotel Utopía es un proyecto que parte de la estructura en ruinas de un edificio que iba a ser un hotel en Ibiza y que fue concebido por el reconocido arquitecto Josep Lluis Sert. El proyecto de construcción se inició en 1969 y se detuvo en los años 70, siendo abandonado por completo tras la muerte de Sert en 1983. Hasta la fecha el destino de la ruina sigue siendo incierto. El video recoge la intervención efímera y participativa que se llevó a cabo en esa estructura, rindiendo homenaje a la arquitectura Sert y, de forma más general, a las ideas, las promesas utópicas y los sueños de una modernidad que se convierte en una metáfora de la insatisfacción y de las contradicciones no resueltas que encierra. El objetivo no es dar una visión negativa del edificio, sino hacer que afloren partes de la estructura a través del acto de pintar, dándole una sensación abstracta y atemporal, como si la construcción estuviera suspendida entre su pasado y su futuro.

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